Живопис – одне з найдавніших мистецтв, яке протягом багатьох століть пройшло еволюцію від наскельних розписів палеоліту, до новітніх течій XX і вже навіть XXI століття. Це мистецтво народилося практично з появою людства. Стародавні люди, навіть не усвідомивши повністю себе людиною, відчули необхідність зображувати навколишній світ на поверхні. Вони малювали все, що бачили: тварин, природу, мисливські сцени. Для малювання вони використовували щось схоже на фарби, зроблені з натуральних матеріалів. Це були земляні фарби, деревне вугілля, чорна сажа. Пензлика робили з волосся тварин, або просто малювали пальцями.
В результаті змін виникали нові види і жанри живопису. За стародавнім періодом був період Античності. Виникло прагнення живописців і художників до відтворення реального навколишнього життя, таке, яким воно бачиться людині. Прагнення до точності передачі викликало зародження основ перспективи, основ світлотіньових побудов різних зображень і дослідження цього художниками. І вони, в першу чергу, вивчали те, як можна зобразити об’ємне простір на площині стіни. Деякі твори мистецтва, такі як об’ємне простір, світлотіні, стали використовувати для прикраси приміщень, центрів релігії і поховання.
Наступним важливим періодом в минулому живопису є Середньовіччя. В цей час живопис набув більш релігійного характеру, і світогляд став відбиватися на мистецтві. Творчість художників було направлено на іконопис та інші мелодії релігії. Основними важливими моментами, які повинен був підкреслити художник, було не стільки точне відображення реальності, скільки передача духовності навіть в самих різних живописних творах. Полотна майстрів того часу вражали своєю виразністю контурів, колоритністю і барвистістю. Живопис середньовіччя здається нам площинний. Всі персонажі художників того часу знаходяться на одній лінії. І тому багато творів здаються нам стилізованими.
Період сірого Середньовіччя змінив більш яскравий період Ренесансу. Епоха Відродження знову внесла перелом в історичний розвиток цього мистецтва. Нові настрої в суспільстві, новий світогляд стали диктувати художнику: які ж аспекти в живописі розкривати більш повно і ясно. Жанри живопису, такі як портрет і пейзаж, стануть незалежними стилями. Художники висловлюють емоції людини і його внутрішній світ через нові способи живопису. На XVII і XVIII століття припадає ще більш серйозне зростання живопису. У цей період католицька церква втрачає свою значимість, і художники в своїх творах все частіше відображають істинний вигляд людей, природи, побутового та повсякденного життя. У цей період також формуються такі жанри, як – бароко, рококо, класицизм, маньєризму. Виникає романтизм, який пізніше змінюється більш ефектним стилем – імпресіонізмом.
На початку ХХ століття живопис кардинально змінюється і з’являється більше новий напрямок сучасного мистецтва – абстрактний живопис. Ідея цього напрямку в тому, щоб передати згоду між людиною і мистецтвом, створити гармонійність в поєднаннях ліній і колірних відблисків. Це мистецтво не має предметності. Вона не переслідує точної передачі реального образу, а навпаки – передає те, що в душі художника, його емоції. Важливою роллю для цього виду мистецтва є форми і кольори. Суть її полягає в тому, щоб по-новому передати раніше знайомі предмети. Тут художникам надається повна свобода своїх фантазій. Це і дало поштовх до зародження і розвитку сучасних напрямків, таких як авангардизм, андеграунд, абстракціонізм. З кінця ХХ століття і по теперішній час живопис постійно змінюється. Але, незважаючи на все нові досягнення і сучасні технології, художники все-таки залишаються вірні класичному мистецтву – олійному і акварельному живопису, творять свої шедеври за допомогою фарб і полотен.
Історія образотворчого мистецтва
Історія живопису – нескінченний ланцюжок, що почався з найперших зроблених картин. Кожен стиль виростає з стилів, які були перед ним. Кожен великий художник додає щось до досягнень попередніх художників і впливає на більш пізніх художників.
Ми можемо насолоджуватися живописом за його красу. Його лінії, форми, кольори і склад (розташування частин) можуть подобатися нашим почуттям і затримуватися в наших спогадах. Але насолода мистецтвом зростає, коли ми дізнаємося, коли, чому і як воно було створено.
На історію живопису вплинули багато факторів. Географія, релігія, національні особливості, історичні події, розробка нових матеріалів – все це допомагає формувати бачення художника. Протягом всієї історії живопис відображав мінливий світ і наші уявлення про нього. У свою чергу, художники надали одні з кращих записів про розвиток цивілізації, іноді розкриваючи більше, ніж письмове слово.
Доісторичний живопис
Печерні жителі були найбільш ранніми художниками. Кольорові малюнки тварин, що датуються від 30 000 до 10 000 років до нашої ери, були знайдені на стінах печер на півдні Франції і в Іспанії. Багато з цих малюнків дивом добре збереглися, тому що печери були запечатані протягом багатьох століть. Ранні люди малювали диких тварин, яких вони бачили навколо. Дуже грубі людські фігури, зроблені в життєвих позиціях, були знайдені в Африці і на сході Іспанії.
Печерні художники заповнювали стіни печери малюнками в багатьох яскравих тонах. Деякі з найкрасивіших картин знаходяться в печері Альтаміра, в Іспанії. Одна деталь показує пораненого бізона, більше не здатного стояти – ймовірно, жертву мисливця. Він забарвлений в червонувато-коричневий колір і окреслений просто, але вміло, чорним. Пігменти, які використовували печерні художники – охра (оксиди заліза, що розрізняються за кольором від світло-жовтого до темно-оранжевого) і марганець (темний метал). Вони подрібнювалися в дрібний порошок, змішувалися з мастилом (можливо, з жирним маслом), і наносилися на поверхню якоюсь щіткою. Жир, змішаний з порошкоподібними пігментами, робив лакофарбову рідину, а частинки пігменту склеювалися. Жителі печери робили щітки з тваринних волосків або рослин.
Ще 30 000 років тому люди винайшли основні інструменти і матеріали для живопису. Методи і матеріали були вдосконалені і поліпшені в наступні століття. Але відкриття печерного жителя залишаються основними для живопису.
Єгипетський і Месопотамський живопис (3400-332 до н.е.)
Одна з перших цивілізацій з’явилася в Єгипті. З письмових записів і мистецтва, залишеного єгиптянами, відомо багато про їх життя. Вони вважали, що тіло повинно бути збережено, щоб душа могла жити після смерті. Великі піраміди були складними гробницями для багатих і могутніх єгипетських правителів. Багато єгипетського мистецтва було створено для пірамід і гробниць царів і інших важливих людей. Щоб бути абсолютно впевненим, що душа буде продовжувати існувати, художники створювали зображення мертвої людини в камені. Вони також відтворювали сцени з життя людини в настінних розписах в похоронних камерах.
Єгипетські техніки образотворчого мистецтва залишалися незмінними протягом століть. В одному способі акварельний фарба наносилася на глинисті або вапнякові поверхні. В іншому процесі контури вирізалися на кам’яних стінах і забарвлювалися акварельними барвниками. Матеріал, званий гуммиарабиком, ймовірно, використовувався для приклеювання фарби до поверхні. На щастя, сухий клімат і запечатані гробниці заважали деяким з цих акварельних картин руйнуватися від вогкості. Багато мисливських сцен зі стін гробниць у Фівах, що датуються близько 1450 до н.е., добре збереглися. Вони показують, як мисливці переслідують птахів або рибу. Ці сюжети все ще можна ідентифікувати сьогодні, тому що вони були акуратно і ретельно пофарбовані.
Месопотамська цивілізація, яка тривала з 3200 по 332 рік до нашої ери, була розташована в долині між річками Тигр і Євфрат на Близькому Сході. Будинки в Месопотамії будувалися, в основному, з глини. Оскільки глина пом’якшується дощем, їх будівлі руйнувалися в пил, знищуючи будь-які настінні картини, які, можливо, були б дуже Цікаві. Що збереглося,то це прикрашена кераміка (фарбована і обпалена) і барвисті мозаїки. Хоча мозаїку не можна розглядати як живопис, вони часто роблять на неї вплив.
Егейська культура (3000-1100 до н.е.)
Третьою великою ранньої культурою була Егейська цивілізація. Егейці жили на островах біля берегів Греції та на півострові Малої Азії приблизно в той же час, що і древні єгиптяни і месопотамців.
У 1900 році археологи почали викопувати палац короля Міноса в Кноссі на острові Крит. Розкопки відкрили твори мистецтва, написані близько 1500 р до н.е. в незвично вільному і граціозному стилі того часу. Очевидно, крітяни були безтурботними, люблячими природу людьми. Серед їх улюблених тем у мистецтві були морська життя, тварини, квіти, спортивні ігри, масові процесії. У Кноссі і інших егейських палацах картини були виконані на мокрих гіпсових стінах фарбами з мінеральних речовин, піску і земляних охр. Фарба просочилася вологою штукатуркою і стала постійною частиною стіни. Ці картини пізніше назвали фресками (від італійського слова «свіжі» або «нові»). Крітяни подобалися яскраві жовті, червоні, сині і зелені тони.
Грецький і римський класичний живопис (1100 р до н.е. – 400 р н.е.)
Стародавні греки прикрашали стіни храмів і палаців фресками. З давніх літературних джерел і з римських копій грецького мистецтва можна сказати, що греки малювали маленькі картини і робили мозаїки. Відомі імена грецьких майстрів і трохи з їхнього життя і робіт, хоча дуже мало грецької живопису пережило століття і наслідки воєн. Греки не багато писали в гробницях, тому їх роботи не були захищені.
Пофарбовані вази – це все, що збереглося від грецького живопису сьогодні. Виготовлення кераміки було великою галуззю в Греції, особливо в Афінах. Контейнери користувалися великим попитом, поставлялися на експорт, так само як масло і мед, для побутових цілей. Найранішній вазовий живопис був виконаний в геометричних фігурах і орнаментах (1100-700 до н.е.). Вази були прикрашені і людськими фігурами в коричневій глазурі на світлій глині. До VI століття вазові художники часто малювали чорні людські фігури на природній червоній глині. Деталі були вирізані на глині гострим інструментом. Це дозволило червоному проявитися в глибинах рельєфу.
Червоно-фігурний стиль в кінцевому підсумку замінив чорний. Тобто навпаки: фігури червоні, а чорним став фон. Перевага цього стилю полягала в тому, що художник міг використовувати кисть для створення контурів. Щітка дає більш вільну лінію, ніж металевий інструмент, який використовується в чорних фігурних вазах.
Римські настінні розписи були знайдені головним чином на віллах (заміських будинках) в Помпеях і Геркуланумі. У 79 році нашої ери ці два міста були повністю поховані виверженням вулкана Везувій. Археологи, які розкопали цей район, змогли багато дізнатися про давньоримської життя з цих міст. Майже на кожному будинку і віллі в Помпеях на стінах були картини. Римські художники ретельно готували поверхню стіни, наносячи суміш з мармурового пилу і штукатурки. Вони полірували поверхні до якості мармурового покриття. Багато з картин є копіями грецьких картин IV століття до н.е. Витончені пози фігур, написаних на стінах вілл містерій в Помпеях, надихнули художників XVIII століття, коли місто було розкопано.
Греки і римляни також писали портрети. Невелика кількість з них, в основному портрети мумій, виконані в грецькому стилі єгипетськими художниками, збереглися навколо Олександрії, на півночі Єгипту. Заснована в IV столітті до нашої ери Олександром Великим з Греції, Олександрія, стала провідним центром грецької та римської культури. Портрети писалися в техніці енкаустики по дереву і встановлювалися у вигляді мумії після смерті зображеної людини. Енкаустичні картини, зроблені з фарб, змішаних з розплавленим бджолиним воском, зберігаються дуже довго. Дійсно, ці портрети все ще виглядають свіжими, хоча вони були зроблені ще в другому столітті до нашої ери.
Ранньохристиянське і візантійське мистецтво (300-1300 р.р.)
Мозаїка в церкві Сан-Вітале, Італія.
Римська імперія пішла на спад в 4 столітті н.е. У той же час набирало силу християнство. У 313 році римський імператор Костянтин офіційно визнав релігію і сам прийняв християнство.
Виникнення християнства сильно вплинуло на мистецтво. Художникам було доручено прикрасити стіни церков фресками і мозаїкою. Вони робили панно в церковних каплицях, ілюстрували і прикрашали церковні книги. Під впливом Церкви, художники повинні були якомога ясніше повідомляти про вчення християнства.
Ранні християни і візантійські художники продовжили техніку мозаїки, яку вони дізналися від греків. Маленькі плоскі шматочки кольорового скла або каменю встановлювалися на вологий цемент або штукатурку. Іноді використовувалися інші тверді матеріали, такі як шматочки випеченої глини або шкаралупи. В італійській мозаїці кольори особливо глибокі. Італійські художники робили фон шматками позолоченого скла. Вони зображували людські фігури в багатьох кольорах на тлі блискучого золота. Загальний ефект виходив плоским, декоративним і не реалістичним.
Мозаїки візантійських художників часто були ще менш реалістичними і ще більш декоративними, ніж мотиви ранніх християн. «Візантійський» – це назва, дана стилю мистецтва, яке розвивалося навколо стародавнього міста Візантії (нині Стамбул, Туреччина). Мозаїчна техніка ідеально відповідала візантійському смаку для чудово прикрашених церков. Знамениті мозаїки Феодори і Юстиніана, виготовлені близько 547 м н.е., демонструють смак до багатства. Ювелірні вироби на фігурах блищать, а кольорові придворні сукні виблискують на тлі блискучого золота. Візантійські художники також використовували золото на фресках і панелях. Золото і інші дорогоцінні матеріали використовувалися в середні століття, щоб відокремити духовні предмети від повсякденного світу.
Середньовічний живопис (500-1400 р.р.)
Перша частина середньовіччя, приблизно з 6 по 11 століття нашої ери, зазвичай називають Темним. В цей час заворушень мистецтво зберігалося в основному в монастирях. У V столітті н.е. варанські племена з Північної і Центральної Європи бродили по континенту. Протягом сотень років вони домінували в Західній Європі. Ці люди створили мистецтво, в якому головним елементом бувє візерунок. Вони особливо захоплювалися структурами переплетених драконів і птахів.
Найкраще з кельтського і саксонського мистецтва можна знайти в рукописах 7 і 8 століть. Книжкові ілюстрації, освітлення і мініатюрний живопис, що практикується з пізнього римського часу, набув поширення в середні століття. Освітлення – це прикраса тексту, вживання великої літери і полів. Використовувалися золоті, срібні та яскраві кольори. Мініатюра – це маленька картинка, часто портрет. Спочатку цей термін використовувався для опису декоративного блоку навколо початкових букв в рукописі.
Карл Великий, який був коронованим імператором Священної Римської імперії на початку IX століття, намагався відродити класичне мистецтво пізнього римського і ранньохристиянського періодів. Під час його правління художники мініатюр наслідували класичне мистецтво, але вони також передавали через свої предмети особисті почуття.
Дуже мало розпису стін збереглося з середньовіччя. У церквах, побудованих під час романського періоду (11-13 ст.), Було кілька великих фресок, але більшість з них зникло. У церквах готичного періоду (XII-XVI ст.) Не було достатньо місця для настінних розписів. Книжкова ілюстрація була головною роботою готичного живописця.
Серед кращих ілюстрованих рукописів були книги годин – збірники календарів, молитов і псалмів. Сторінка з італійської рукописи показує ретельно оформлені ініціали і дрібно деталізовану маргінальну сцену святого Георгія, що вбиває дракона. Кольори блискучі і схожі на дорогоцінні камені, як в вітражному склі, а золото мерехтить над сторінкою. Витончено тонкі листові і квіткові конструкції межують з текстом. Художники, ймовірно, використовували збільшувальне скло для виконання такої складної деталізованої роботи.
Італія: Чімабуе і Джотто
Італійські художники в кінці XIII століття все ще працювали в візантійському стилі. Людські фігури були зроблені плоскими і декоративними. Особи рідко мали вираз. Тіла були невагомими і, здавалося, плавали, а не стояли твердо на землі. У Флоренції художник Чімабуе (1240-1302) Намагався модернізувати деякі зі старих візантійських методів. Ангели в «Мадонні на престолі» активніші, ніж зазвичай на картинах того часу. Їх жести і особи показують трохи більше людських почуттів. Чімабуе додав до своїх картин нове почуття монументальності або пишноти. Однак, він продовжував слідувати багатьом візантійськими традиціями, таким як золотий фон і візерункове розташування предметів і фігур.
Ще був великий флорентійський художник Джотто (1267-1337), який фактично порвав з візантійською традицією. Його фрескова серія в Каплиці Арени в Падуї залишає візантійське мистецтво далеко позаду. У цих сценах з життя Марії і Христа є справжні емоції, напруга і натуралізм. Всі якості людського тепла і симпатії присутні. Люди не здаються абсолютно нереальними або небесними. Джотто заштрихував контури фігур, і він помістив глибокі тіні в складки одягу, щоб дати відчуття округлості і міцності.
Життя Богоматері. Благовістя св.Анни 
Життя Богоматері.
Введення у храм
Для своїх невеликих панелей Джотто використовував чисту яєчну темперу, середу, яка була вдосконалена флорентийцами в 14-м столітті. Ясність і яскравість його квітів повинні були сильно вплинути на людей, які звикли до темних кольорів візантійських панелей. Картини темперою створюють враження, що на сцену падає м’який денне світло. Вони мають майже плоский вид, на відміну від глянцю олійного живопису. Яєчна темпера залишалася головною фарбою, поки масло майже повністю не замінило її в 16 столітті.
Пізнє середньовіччя. Живопис на північ від Альп
На початку XV століття художники в Північній Європі працювали в стилі, абсолютно відмінному від італійського живопису. Північні художники досягли реалізму, додавши до своїх картин незліченні подробиці. Все волосся були витончено окреслене, і кожна деталь драпірування або настилу статі була точно встановлена. Винахід олійного живопису спростив деталізацію деталей.
Фламандський художник Ян ван Ейк (1370-1414) вніс свій великий внесок у розвиток олійного живопису. Коли використовується темпера, кольори потрібно наносити окремо.
Вони не можуть добре затінювати один одного, тому що фарба швидко сохне. З маслом, яке повільно сохне, художник може досягти більш складних ефектів. Його портрети 1466-1530 р.р. були виконані в фландро-олійній техніці. Всі деталі і навіть дзеркальне відображення – чіткі і точні. Колір міцний і має тверду, емалеобразну поверхню. Грунтована дерев’яна панель, була приготовлена так само, як Джотто готував свої панелі для темпери. Ван Ейк створив картину шарами тонкого кольору, глазур’ю.
італійський ренесанс
У той час, коли ван Ейк працював на Півночі, італійці переходили в золотий вік мистецтва і літератури. Цей період називається Ренесансом, що означає відродження. Італійські художники були натхненні скульптурою древніх греків і римлян. Італійці хотіли відродити дух класичного мистецтва, який прославляє людську незалежність і благородство. Художники епохи Відродження продовжували малювати релігійні сцени. Але вони також підкреслювали земне життя і здобутки людей.
Флоренція
Досягнення Джотто на початку 14 століття поклали початок Ренесансу. Італійські художники XVII століття його продовжили. Мазаччо (1401-1428) був одним з лідерів першого покоління художників епохи Відродження. Він жив у Флоренції, багатому торговому місті, де починалося мистецтво епохи Відродження. До моменту його смерті в кінці двадцятих років він зробив революцію в живопису. У своїй знаменитій фресці «The Tribute Money» він ставить солідні скульптурні фігури в пейзаж, який, здається, йде далеко вдалину. Мазаччо, можливо, навчався перспективі у флорентійського архітектора і скульптора Брунеллески (1377-1414).
Техніка фрески була дуже популярна в епоху Відродження. Вона особливо підходила для великих розписів, тому що кольори на фресці сухі і ідеально плоскі. Зображення можна переглядати під будь-яким кутом без відблисків або відображень. Також фрески мають доступністю. Зазвичай, у художників було кілька помічників. Роботи виконувалися по частинах, тому що їх потрібно було закінчити, поки штукатурка була ще вологою.
Повний «тривимірний» стиль Мазаччо був типовим для нового прогресивного напрямку 15-го століття. Стиль Фра Анджеліко (1400-1455) представляє собою більш традиційний підхід, який використовується багатьма художниками раннього Ренесансу. Він був менш стурбований перспективою і більше цікавився декоративним малюнком. Його «Коронація Богородиці» – приклад темпери в самому красівовом виконанні. Веселі, насичені кольори на тлі золота і акцентовані золотом. Картина виглядає як збільшена мініатюра. Довгі вузькі фігури мають мало спільного з Мазаччо. Композиція організована в широких лініях руху, що кружляють навколо центральних фігур Христа і Марії.
Ще один флорентієць, який працював в традиційному стилі, був Сандро Боттічеллі (1444-1515). Текучі ритмічні лінії з’єднують ділянки «Весни» Боттічеллі. Фігура Весни, що переноситься західним вітром, проноситься справа. Три грації танцюють в колі, що розвіваються складки їх суконь і витончені руху їх рук висловлюють ритми танцю.
Леонардо да Вінчі (1452-1519) навчався живопису у Флоренції. Він відомий своїми науковими дослідженнями і винаходами, а також своїми картинами. Далеко не всі його картини збереглися, почасти тому, що він часто експериментував з різними способами створення і застосування фарби, а не з використанням перевірених і достовірних методів. «Таємна вечеря» (написана між тисячі чотиреста дев’яносто-п’ять і тисяча чотиреста дев’яносто вісім роками) була зроблена в маслі, але, на жаль, Леонардо написав її на вологій стіні, через яку фарба розкололася. Але навіть в поганому стані (до реставрації) картина була здатна порушувати емоції у всіх, хто це бачить.
Однією з відмінних рис стилю Леонардо був його метод зображення вогнів і темряви. Італійці називали його напівтемне освітлення «сфумато», що означає димчастий або туманний. Фігури в «Мадонні з скель» завуальовані в атмосфері сфумато. Їх форми та риси м’яко затінені. Леонардо досяг цих ефектів, використовуючи дуже тонкі градації світлих і темних тонів.
Рим
Кульмінація ренесансного живопису сталася в 16 столітті. У той же час центр мистецтва і культури перемістився з Флоренції в Рим. Під папою Сикстом IV і його наступником, Юлієм II, місто Рим було славно і багато прикрашене художниками епохи Відродження. Деякі з найбільш амбітних проектів цього періоду були розпочаті за часів папства Юлія II. Юлій доручив великому скульптору і живописцю Мікеланджело (1475-1564) розписати стелю Сікстинської капели і вирізати скульптуру для гробниці Папи. Юлій також запросив живописця Рафаеля (1483-1520) допомогти прикрасити Ватикан. З помічниками Рафаель розписував чотири кімнати квартир Папи в Ватиканському палаці.
Мікеланджело, флорентієць за народженням, розробив монументальний стиль живопису. Фігури в його картині настільки міцні і об’ємні, що вони виглядають як скульптури. Сикстинська стеля, яка зайняла у Мікеланджело 4 роки, складається з сотень людських фігур зі Старого Завіту. Щоб виконати цю грандіозну фреску, Мікеланджело довелося лягати на спину на ліси. Задумане обличчя Єремії серед пророків, які оточують стелю, деякі експерти вважають автопортретом Мікеланджело.
Рафаель приїхав до Флоренції з Урбіно ще дуже молодою людиною. У Флоренції він ввібрав ідеї Леонардо і Мікеланджело. На той час, коли Рафаель відправився в Рим для роботи у Ватикані, його стиль став одним з найбільших за красою виконання. Він особливо любив свої прекрасні портрети Мадонни з немовлям. Вони були відтворені тисячами, їх можна побачити всюди. Його «Мадонна дель Грандука» успішна завдяки своїй простоті. Передчасна в своїй мірності і чистоті, вона так само приваблива для нас, як і для італійців епохи Рафаеля.
Венеція
Венеція була головним північним італійським містом епохи Відродження. Його відвідали художники з Фландрії і інших регіонів, які знали про фламандські експериментах з масляною фарбою. Це стимулювало раннє використання масляної техніки в італійському місті. Венеціанці навчилися писати картини на щільно витягнутому полотні, а не на дерев’яних панелях, зазвичай використовуваних у Флоренції.
Джованні Белліні (1430-1515) був найбільшим венеціанським художником 15 століття. Він також був одним з перших італійських художників, хто використовував масло на полотні. Джорджоне (1478-1151) і Тіціан (1488-1515), який є найвідомішим з усіх венеціанських художників, були учнями в майстерні Белліні.
Майстер масляної техніки Тіціан писав величезні полотна в теплих, насичених кольорах. У своїх зрілих картинах він пожертвував деталями для створення приголомшливих ефектів, наприклад як в «Мадонні Пезаро». Він використовував великі кисті, щоб робити великі мазки. Його кольори особливо багаті, тому що він терпляче створював глазурі контрастних кольорів. Зазвичай глазур наносили на коричневу темперованого поверхню, що надавало картині єдиний тон.
Ще одним великим венеціанським художником XVI століття був Тінторетто (1518-1594). На відміну від Тиціана, він зазвичай працював безпосередньо на полотні без попередніх ескізів або контурів. Він часто спотворював свої форми (викручував їх) заради композиції і драми сюжету. Його техніка, яка включає в себе широкі мазки і драматичні контрасти світла і темряви, здається дуже сучасною.
Художник Кіріакос Теотокопулос (1541-1614) був відомий як Ель Греко ( «Грецький»). Народжений на острові Крит, який був окупований венеціанської армією, Ель Греко навчався італійськими художниками. Будучи молодою людиною, він відправився вчитися до Венеції. Об’єднаний вплив візантійського мистецтва, яке він бачив навколо себе на Криті, і італійського мистецтва епохи Відродження, зробили роботу Ель Греко видатною.
У своїх картинах він спотворював природні форми і використовував ще більш дивні, більш неземні кольори, ніж Тінторетто, яким він захоплювався. Пізніше, Ель Греко перебрався до Іспанії, де похмурість іспанського мистецтва вплинула на його роботу. У його драматичному баченні Толедо, шторм бушує над смертельною тишею міста. Холодний блюз, зелень і синьо-білі відтінки розносять холод над пейзажем.
Ренесанс у Фландрії та Німеччини
Золотим століттям живопису у Фландрії (нині частиною Бельгії та північної Франції) було 15-е століття, час ван Ейка. У XVI столітті багато фламандських художників наслідували Італійських художників епохи Відродження. Однак деякі фламандці продовжували фламандську традицію реалізму. Тоді поширився жанровий живопис – сцени з повсякденного життя, які іноді були чарівними, а іноді і фантастичними. Ієронім Босх (1450-1515), що передував жанровим художникам, мав надзвичайно яскрава уява. Він придумав всіляких дивних, гротескних істот для «The Temptation of St. Anthony ». Пітер Брейгель Старший (1525-1569) також працював у фламандської традиції, але додав своїм жанровим сценам перспективу і інші характеристики Ренесансу.
Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Молодший (1497-1543) і Лукас Кранах Старший (1472-1553) були трьома найбільш важливими німецькими художниками XVI століття. Вони багато зробили для пом’якшення похмурого реалізму ранньої німецької живопису. Дюрер як мінімум один раз мав візит до Італії, де він був вражений картинами Джованні Белліні і інших північних італійців. Завдяки цьому досвіду він прищепив німецькому живопису знання перспективи, почуття кольору та світла і нове розуміння композиції. Гольбейн засвоїв ще більше італійських досягнень. Його чутливий малюнок і здатність вибирати тільки найважливіші деталі зробили його майстром-портретистом.
Жиопис доби бароко
XVII століття відоме в мистецтві як період Бароко. В Італії художники Караваджо (1571-1610) і Аннібале Карраччі (1560-1609) представляли дві контрастні точки зору. Караваджо (справжнє ім’я Мікеланджело Меріс) завжди черпав натхнення безпосередньо з реалій життя. Одна з його головних проблем полягала в тому, щоб скопіювати природу якомога точніше, не прославляючи її будь-яким чином. Карраччі, з іншого боку, дотримувався ідеалу краси епохи Відродження. Він вивчав давню скульптуру і роботи Мікеланджело, Рафаеля і Тиціана. Стиль Караваджо захоплював багатьох художників, особливо іспанця Рібері і молодого Веласкеса. Карраччі надихнув Ніколу Пуссена (1594-1665), відомого французького живописця XVII століття.
Караваджо – Голова медузи 
Караваджо – гравці в карти
Іспанія
Дієго Веласкес (1599-1660), придворний живописець іспанського короля Філіпа IV, був одним з найбільших з усіх іспанських художників. Будучи прихильником робіт Тиціана, він був майстром у використанні багатого, гармонійного кольору. Жоден художник не міг краще створити ілюзію багатих тканин або шкіри людини. Портрет маленького принца Філіпа Проспера показує це майстерність.
Веласкес – Портрет Філіпа Проспера 
Веласкес – Марс
Фландрія
Картини фламандського художника Пітера Пауля Рубенса (1577-1640 рр.) Представляють собою втілення повнокольорового стилю бароко. Вони розриваються енергією, кольором і світлом. Рубенс порвав з фламандської традицією малювати маленькі картини. Його полотна величезні, наповнені людськими фігурами. Він отримував більше замовлень великих картин, ніж міг би виконати. Тому він часто малював тільки невеликий кольоровий ескіз. Потім його помічники переносили ескіз на велике полотно і закінчували картину під керівництвом Рубенса.
Голандія
Досягнення голландського живописця Рембрандта (1606-1669) є одними з найвидатніших в історії. У нього був чудовий дар – точно зловити і передати людські емоції. Як і Тіціан, він довго працював над створенням багатошарових картин.
Земляні кольори – жовта охра, коричнева і коричнево-червона – були його фаворитами. Його картини виконані, в основному, в темних тонах. Важливе значення темних багатошарових частин, роблять його техніку незвичайною. Акцент передається яскравим освітленням щодо світлих ділянок.
Ян Вермеер (1632-1675) був в одній з груп голландських художників, які писали скромні сцени повсякденного життя. Він був майстром в малюванні будь-яких текстур – сатинових, перських килимів, хлібних кірок, металу.
Загальне враження від інтер’єру Вермеєра – це сонячна, життєрадісна кімната, наповнена знаковими побутовими предметами.
Живопис 18 століття
Джованні Баттіста Тьєполо
У 18 столітті Венеція справила на світ кілька прекрасних художників. Найвідомішим був Джованні Баттіста Тьєполо (1696-1770). Він прикрашав інтер’єри палаців і інших будівель грандіозними барвистими фресками, що представляють сцени багатства. Франческо Гварді (1712-1793) був дуже вправний пензлем, всього декількома плямами кольору він міг викликати в уяві ідею крихітної фігури в човні. Видовищні види Антоніо Каналетто (1697-1768 рр.) Оспівували минулої славу Венеції.
Франція: стиль Рококо
У Франції смак до пастельних кольорів і хитромудрої обробки на початку 18 століття привів до розвитку стилю Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворний художник короля Людовіка XV, а пізніше Франсуа Буше (1703-1770) і Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) були пов’язані з трендами Рококо.
Франсуа Буше “Генії мистецтв”
Франсуа Буше “Юпітер і Калісто”
Ватто писав замріяні бачення, життя, в якому все – веселощі. В основі стилю – пікніки в парках, лісові вечірки, де веселі джентльмени і елегантні дами розважаються на природі.
Фрагонар – Качелі 
Фрагонар – Поцілунок крадькома
Інші художники 18-го століття зображували сцени звичайного життя середнього класу. Як і Голландський Вермеер, Жан Батист Сімеон Шарден (1699-1779) цінував прості домашні сюжети і натюрморти. Його кольори тверезі і спокійні в порівнянні з Ватто.
Англія
У XVIII столітті англійці вперше розробили окрему школу живопису. Ядро складалося, в основному, з художників-портретистів, на яких впливали художники венеціанського ренесансу. Сер Джошуа Рейнольдс (1723-1792) і Томас Гейнсборо (1727-1788) є найвідомішими.
Рейнольдс, який подорожував по Італії, слідував ідеалам живопису ренесансу. Його портрети, чарівні і зворушливі, не дуже цікаві за кольором або текстурою. У Гейнсборо, з іншого боку, був талант до блиску. Поверхні його картин світяться сяючим кольором.
Гейнсборо 
Живопис 19 століття
XIX століття іноді розглядається як період, протягом якого почало складатися сучасне мистецтво. Однією з важливих причин так званої революції в мистецтві в цей час був винахід камери, яка змусила художників переглянути мета живопису.
Більш важливою подією стало широке використання заздалегідь виготовлених фарб. До 19-го століття більшість художників або їх помічники робили свої власні фарби шляхом подрібнення пігменту. Ранні комерційні фарби поступалися ручним фарбам. Художники в кінці 19-го століття виявили, що темні сині та коричневі тони більш ранніх картин протягом декількох років ставали чорними або сірими. Вони знову почали використовувати чисті кольори, щоб зберегти свою роботу, а іноді тому, що намагалися більш точно відбивати сонячне світло в вуличних сценах.
Іспанія: Гойя
Франсиско Гойя (1746-1828) був першим великим іспанським художником, що з’явилися з 17-го століття. Як улюблений художник іспанського двору, він зробив багато портретів королівської сім’ї. Королівські персонажі оснащені елегантним одягом і прекрасними коштовностями, але на деяких їхніх обличчях все, що відбивається, це марнославство і жадібність.
Крім портретів, Гойя малював драматичні сцени, такі як Третє травня 1808 року.
На цій картині зображено виконання групою іспанських повстанців французькими солдатами. Сміливі контрасти світлих і темних і похмурих кольорів, пронизані червоними бризками, викликають похмурий жах видовища.
Хоча Франція була великим центром мистецтва в 1800-х роках, англійські ландшафтні художники Джон Констебль (1776-1837) і Джозеф Меллорд Вільям Тернер (1775-1851) внесли цінний внесок в живопис 19-го століття. Обидва цікавилися живописом світла і повітря, двома аспектами природи, які художники XIX століття досліджували повністю. Констебль використовував метод, відомий як розподіл, або зламаний колір. Він використовував контрастні кольори над основним кольором фону. Він часто використовував ніж для палітри, щоб щільно нанести колір. Картина «Hay Wain» зробила його знаменитим, після показу в Парижі в 1824 році.
Це проста сільська сцена сінокосу. Хмари дрейфують над луками, вкритими плямами сонячного світла.
Картини Тернера більш драматичні, ніж у констебля, який писав величні пам’ятки природи – бурі, морські пейзажі, палаючі заходи, високі гори.
Часто золотий серпанок частково приховує об’єкти в його картинах, змушуючи їх здаватися плаваючими в нескінченному просторі.
Франція
Період правління Наполеона і Французька революція ознаменували появу двох протилежних тенденцій у французькому мистецтві – класицизму і романтизму. Жак Луї Давид (1748-1825) і Жан Огюст Домінік Енгр (1780-1867) були натхненні давньогрецьким і римським мистецтвом і епохою Відродження.
Вони підкреслювали деталі і використовували колір для створення твердих форм. Будучи улюбленим художником революційного уряду, Давид часто писав історичні події того періоду. У своїх портретах, таких як мадам Рекам`є, він прагнув до досягнення класичної простоти.
Теодор Геріке (1791-1824) і романтик Ежен Делакруа (1798-1863) повстали проти стилю Давида. Для Делакруа колір був найважливішим елементом в живопису і у нього не було терпіння для імітації класичних статуй.
Замість цього він захоплювався Рубеном і венеціанцями. Він вибрав барвисті, екзотичні теми для своїх картин, які виблискують світлом і повні руху.
Художники Буффало також були частиною загального романтичного руху, яке тривало приблизно з 1820 по 1850 рік. Вони працювали недалеко від села Барбизон на краю лісу Фонтенбло. Вони черпали натхнення на природі і закінчували картини в своїх студіях.
Інші художники експериментували з повсякденними звичайними предметами. Ландшафти Жана Батіста Каміля Коро (1796-1875) відображають його любов до природи, і його етюди людського тіла показують свого роду збалансоване спокій. Гюстав Курбе (1819-1877) називав себе реалістом, тому що він зображував світ таким, як бачив його – навіть його сувору, неприємну сторону. Він обмежив свою палітру всього лише кількома похмурими кольорами. Едуар Мане (1832-1883) також брав основу для своїх сюжетів з навколишнього світу.
Люди були вражені його барвистими контрастами і незвичайними прийомами. На поверхнях його картин часто є плоска, узорна текстура мазків. Методи Мане з нанесення ефектів світла на форму вплинули на молодих художників, особливо імпресіоністів.
Працюючи в 1870-х і 1880-х роках, група художників, відомих як імпресіоністи, хотіла зображувати природу саме так, якою вона була. Вони пішли набагато далі, ніж Констебль, Тернер і Мане в вивченні ефектів світла в кольорі. Деякі з них розробили наукові теорії кольору. Клод Моне (1840-1926) часто писав один і той самий пейзаж у різний час доби, щоб показати, як він змінюється в різних умовах освітленості.
Яким би не був об’єкт, його картини складаються з сотень крихітних мазків, розташованих поруч один з одним, часто в контрастних кольорах. На відстані штрихи змішуються, щоб створити враження твердих форм. П’єр Огюст Ренуар (1841-1919) використовував методи імпресіонізму, щоб захопити свято паризького життя. У його «Танці у Мулен де ла Галетт» люди в яскраво пофарбованої одязі товпилися і весело танцювали. Ренуар написав всю картину дрібними мазками. Точки і штрихи фарби створюють текстуру на поверхні картини, яка надає їй особливий вид. Натовпи людей, здається, розчиняються в сонячному світлі і мерехтливому кольорі.
Живопис 20-го століття
Ряд художників незабаром стали незадоволені імпресіонізмом. Художники, такі як Пол Сезанн (1839-1906), відчували, що імпресіонізм не описує міцність форм в природі.
Сезанн любив малювати натюрморти, бо вони дозволяли йому зосередитися на формі фруктів або інших предметів і їх розташуванні. Об’єкти його натюрмортів виглядають міцно, тому що він зводив їх до простих геометричних форм.
Його техніка розміщення плям фарби і коротких мазків багатого кольору пліч-о-пліч показує, що він багато чому навчився у імпресіоністів.
Вінсент Ван Гог (1853-90) і Поль Гоген (1848-1903) відреагували на реалізм імпресіоністів. На відміну від імпресіоністів, які говорили, що вони об’єктивно розглядають природу, Ван Гог мало піклувався про точність.
Він часто спотворював об’єкти, щоб висловити свої думки більш творчо. Він використовував імпресіоністські принципи для розміщення контрастних кольорів поруч один з одним. Іноді він стискав фарбу з трубок прямо на полотно, як в «Поле жовтої кукурудзи».
Гоген не дбав про плямисті кольори імпресіоністів. Він плавно застосовував колір у великих плоских областях, які він відділяв один від одного лініями або темними краями. Барвисті тропічні народи забезпечили більшу частину його сюжетів.
Метод Сезанна створення простору за допомогою простих геометричних форм був розвинений Пабло Пікассо (1881-1973), Жоржем Браком (1882-1963) та іншими. Їх стиль став відомий як кубізм.
Кубісти малювали об’єкти так, як ніби їх можна було побачити з кількох кутів відразу або, як якщо б їх розібрали і зібрали на плоскому полотні. Часто об’єкти були не схожими на що-небудь існуюче в природі. Іноді кубісти вирізали фігури з тканини, картону, шпалер або інших матеріалів і наклеювали їх на полотно, щоб зробити колаж. Текстури також варіювалися, додаючи до фарби пісок або інші речовини.
Пізніші тенденції полягали в тому, щоб приділяти менше уваги темі. Більший акцент стали отримувати композиція і техніка зображення.